声乐作品处理指导（声乐作品的艺术处理）
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论中国声乐作品情感处理？
情感对歌唱技巧和艺术美感的创造起着积极的推动作用。情感因素是声乐教学的动力，调控好教学中的情感状态，对提高教学效率有十分重要的现实意义。
声乐教学 情感 调控
情感是人对客观事物的态度体验以及相应的行为反映。它既有信号的功能，又有调节人精神活动的动力功能。它能积极地影响人的认识过程，推动人的认识发展。积极而良好的情感能激发歌唱者感知的积极性，增强想象和思维的能动性。歌唱艺术是最富心灵性、表现性的艺术，情感则是它的内容和本质。情感这种心理现象在歌唱和技巧训练中往往起着非同寻常的重要作用，比如歌唱情绪低落，状态就差，歌唱无激情，声音无活力，高音就困难等。情感与声乐技巧训练及声乐艺术表现密切相关，因为一切歌唱活动都是依靠人的大脑和各发声器官协同配合来进行的艺术创造。这种创造体现在教学的双方，教与学双方都处在矛盾与解决矛盾的过程之中。声乐训练靠大量心理活动来实现，生理因素也受心理活动影响和制约。教学中影响学生的因素很多，毫不例外地应该将积极的情感作为动力，教师能否调控好学生积极的情感状态是教学成败的关键。
一、积极的情感状态是解决声乐技巧的动力
在声乐教学中，情感的调控对解决声乐技巧具有重要的作用。由于声乐艺术的学科特点处处充满矛盾，学生就是在矛盾的不断出现和不断被解决的过程中，使歌唱技巧和艺术表现力得到提高和完善的。歌唱者对自己的歌唱器官看不见又摸不着，只能凭听觉、视觉、感觉对教师的示范、讲解进行感受、比较，都是以感知为基础，以大脑的意识操作为手段，通过思维对所获得的感性认识进行分析、判断，逐渐形成对声音状态的理解，不断调整自己的歌唱状态和获得歌唱经验，达到真正掌握歌唱的技巧。教师若能准确地把握住学生发声的各种细微变化，并能通过有效的方法加以解决，注重自己教学方法的科学性，就能调动起学生旺盛的歌唱欲望和学习兴趣。学习兴趣是学习积极性和自觉性的核心因素，教师应该用教学方法的科学性来实现课堂的生动性，从而带动学生学习的主动性。
声乐教学中积极的情感状态是获得好的歌唱状态的基础，比如声乐教学中常出现有的学生为追求某种声音效果，找“高位置”而脱离自然状态，发声音位不高、咬字无力、课堂不够积极等状况。笔者曾用富有情感和语气的朗诵状态启发、引导学生，收到很好的效果。朗诵本身就是艺术性的语言，《乐记》中讲：“歌之为言之，长言之也。”歌曲的创作与表现都是人们生活中情感语言的演变、夸张和提炼，而完美的朗诵更是发声技巧、语言技巧及情感表现的最好体现。作为声乐技能的训练也可借助朗诵的感觉，要求学生在练习中强调带上感情，并带上良好的呼吸支持，将语音位置提高，加强语气、语调以及咬字、吐字的积极状态，将朗诵时的生理感觉再现于歌唱状态之中，学生通过练习找到了好的声音感觉。中外艺术歌曲中，高潮处往往出现“啊”“哎”等感叹词，这些高音恰巧是歌唱技巧的难点，又是学生最畏惧的，若要求学生用叹气的状态，带上语气，深情地朗诵歌词的状态去找高音感觉，充分地打开喉咙，既能使学生容易找到高位置的声音状态，又能减少学生对高音的畏惧感，克服发声障碍。
声乐教学成功者往往是教师善于教与学生善于学的积极互动，学生课堂的感知状态、情感状态以及个性特征等都能动地支配着他的生理感觉，也控制着他的歌唱行为和技术的发挥。比如歌唱最重要而又最常见的呼吸问题，若教师只强调怎么吸，吸多少，吸到什么部位等等，学生往往不易做到。若能给学生讲明歌唱呼吸与生活呼吸的异同和特殊性，呼吸是歌唱的生命，歌唱呼吸需要一定量的支持和有意识地控制呼气，运用和练习中要吸得深而吐得均匀，随时要保持松而畅的呼吸状态。具体练习中可启发学生用吸气如“闻香花”“打呵欠”，呼气如“抽丝”“吹蜡”等生活体验来找感觉，可能会获得好效果。教师形象、生动的启发比单纯生理性或技术性阐述，更易让学生理解、接受，也会调动和激发起学生积极的情感状态和思维想象，利用丰富的想象力去捕捉各种发声感觉。
二、情感因素是歌唱表现艺术美的核心
歌唱是一门技巧性极强的学科，但具有艺术性的教学最能激发学生的歌唱激情，教师的教学要富有情感性，应具体落实在教学和艺术实践的每个环节中。比如声乐教学中教师选择的练声曲，它是教师训练声音的手段，也是声乐表演的准备和发声的基础。通常教师根据学生学习不同状况选择各种练声曲，主要注重于技术上的考虑，往往比较枯燥而单调。教师在巧妙地组合和设计练声曲时应充分考虑到课堂效果，既要做到循序渐进，也应考虑到该练习能否调动起学生积极的情感状态。例如音阶上下转换和跑动要富有流动感，应该连贯性练习与跳动性练习相结合，把学生从枯燥、单调的技术训练中解脱出来。特别注意课堂练习的状态，要求学生感觉每个乐句、每个母音的流动都有潜台词，将连惯性乐句要唱得舒展而自如，跳跃性乐句唱得华丽而富有活力。教师把练声曲看作是技术训练、音乐感觉、音乐表现力训练的综合体。要求学生在练声中养成细心感受、分析作品的良好习惯，把每条练声曲或作品都唱得准确而完美，从技能训练上升到有意识的歌唱需要，从而形成对音乐作品感受的完整概念，为今后驾驭难度较大的作品创造条件。由此能提高学生的艺术感受能力，增强教学艺术性，学生的心灵会得到陶冶，使其认识到美好的歌唱是技巧与情感的完美结合，是人内在情感激发的结果，使学生逐渐养成发声必有情的习惯。由此也能极大地减少由于技术训练带来的心理压力。
声乐教学中的情感调控无疑还应体现在对歌曲的艺术表现与情感内涵的挖掘上。声乐教学本身就是生动、鲜活、充满想象力的教学，教师要善于点燃学生的情感火花，要营造生动而和谐的教学氛围，只有当学生对所感知的美有深刻的体验时，才会对作品的艺术美产生热爱。在处理具体的作品中，教师若能运用富有感情的想象分析歌曲旋律与歌词，并用艺术性的朗诵语言准确而生动地朗诵歌词，就能增强教学的生动性。学生通过联想歌词中的意境，会身临其境，将歌曲音乐形象与歌词文学形象构成一幅生动的“音乐画面”，会激发起创造好这部作品的欲望。强烈的创造欲望会激起对声乐技巧的完美追求，在不断追求艺术完美的同时，良好的发声技巧和声音状态会得以巩固和稳定。 有孔可以去我的网站看看，里面还有很多~！我的个人网站：
浅谈声乐教师如何指导学生课后练习 详细�0�3
浅谈声乐教师如何指导学生课后练习 袁永忠 （湖南人文科技学院音乐系４１７０００） 摘要：声乐教学，教师的任务就在于帮助学生修饰自己的声 音，培养学生的演唱能力和素质．使学生的演唱自如、流畅、美丽、 动听。如何指导学生课后练习，是完成教学任务，达到教学目的的一 个重要环节。声乐的课后练习，是学生巩固老师课堂知识和提高技能 的重要手段。然而大部分学生离开老师后，由于没有形成一个良好的 练习习惯，课后练习迭不到预期的效果。课后练习包括有声练习与无 声练习。无声练习是有效地培养喉器及周围可供助振的部位，形成倒 漏斗式基音管形及发音歌唱的一种科学的方法，无声练习适合各种程 度的学生，是课后练习的重点。 关键词：课后练习；有声练习：无声练习 声乐教学，教师的任务就在于帮助学生修饰自己的声音，培 养学生的演唱能力和素质，使学生的演唱自如、流畅、美丽、动 听。声乐教学分为二大部分，一是课堂教学，二是指导学生课后 练习，两者都影响着教学效率的高低。课堂教学，有老师的示范 和严格要求，唱得不对老师会及时纠正，所以学生会用正确的方 法去唱，也就越唱越顺。而学生的声乐学习，课堂教学的时间非 常有限，大部分时间都是靠自己在课后练习，台上一分钟，台下 十年功：师傅领进门，修行在自身，所强调的都是调动学习的主 观能动性，抓好课后练习这个环节。因此课后练习直接关系到声 乐教学的成功与否，谁指导学生掌握了课后练习的方法，谁的教 学成功就快，谁指导学生在课后练习滋生的毛病越少，谁的教学 水平就越高。 一、声乐教师要指导学生在课后进行有声练习与无 声练习相结合，特别注重无声练习 声乐的发声训练是将歌唱发声有关的部位调节成最佳状态， 使它们协调、配合发出最美好的声音的特殊的练习。有声练习， 是指声带振动的发声训练。当一个初学或者是还没有完全掌握正 确的发声方法的学生，在琴房练声或者是唱歌时，连续唱二十至 四卜分钟，就会感到嗓子非常疲劳。而初级程度的学生要想在较 短的时间（本科四年）里，在声乐上要有很大的突破，每天只练 有限的有声练习足不可能实现的。但如果在有声练习的同时，辅 以无声练习，结果就会完全不一样。 无声练习是有效地培养喉器及周围可供助振的部位，形成 倒漏斗式基音管形及发音歌唱的一种科学的方法。它是一种声 带不振动的发声练习，它是相对于有声练习来说的，有些无声练 习也会有一些声音，但不是声带发出的声音。比方说在练习气息 的时候，气流会发出很小的声音，所以只要不是声带发出声音的 练习，我们都把它叫做无声练习。无声练习的最大优点就是不受 时间和地点的限制，在不伤害嗓音的情况下，经过长期的反复练 习，培养学生良好的发声状态。 对于程度比较高的学生，课后练习采取有声练习与无声练习 相结合，进步比较快。而对于程度较浅，或者是存在较大毛病的 学生，重点是无声练习，因为无声练习能解决学生在有声练习中 解决不了的毛病，基本上不会让他在课后去反复、去巩固他原来 存在的毛病。 如：喉音。喉音是歌唱中最常见的一种毛病。演唱者自己 听起来很亮、很悦耳。而实际的效果是声音发闷、缺乏色彩，而 且还会造成吐字不清晰。它的形成是由于歌唱者片面追求音量， 歌唱时失去呼吸的支持，造成喉部紧缩，肌肉紧张，用力挤压舌 根造成的。我国著名男高音歌唱家程志在《歌唱的方法》中说： 解决喉音最好的办法就是伸出舌头唱。喉音形成的时间越久，就 越难改，光是有声练习，唱久了很费嗓，有时还会损伤声带，因 此，要想在根本上解决喉音，必须在课后经常做伸舌头的无声练 己０６ 习，只有经过千百次的反复练习，才能纠正舌跟紧的习惯，养成 歌唱发声时舌头放松并略为向前的习惯，好的习惯一形成，毛病 就会迎刃而解。 声乐学习不能走弯路，如果每次上课都是沿着正确的方向， 进步就快，如果反反复复地在改毛病，那么进步就慢。 无声练习分为三大类。 （一）协调各发声器官的练习。如张嘴、伸舌头、放松下颌 骨，抬软腭。具体练习的方法是：像打哈欠一样，提笑肌自然地 张嘴，松开下颌骨，向外伸舌头的同时，像打呼噜一样吸气的同 时抬软腭。打哈欠、提笑肌、张嘴、伸舌头、打呼噜、吸气、抬 软腭，这七个动作要非常连贯自然，像一个动作，简称“像打哈 欠～样张嘴打呼噜”，打哈欠有利于打开喉咙，提笑肌张嘴，抬 软腭，伸舌头松下颌骨，有利于打开口咽腔和鼻咽腔，形成一个 打开的连贯的发声通道，这个练习能够建立良好的发声状态。 （二）提高呼吸控制的能力。“狗喘气”、“抽泣”等。 “狗喘气”或戏曲界所称“蛤蠛气”有利于建立正确的歌唱发声 生理状态。具体的做法是：将嘴张开式半打哈欠，面带微笑，口 腔内舌面凹下成直沟，口腔与咽腔将形成较大的共鸣空间，此时 的会厌一定是竖直地立于喉咙的开口处，而关键的喉头必然是自 然松驰地落在较低的位置上。此时身体站定，小腹提气，这提气 要下丹田提气，然后完全用横膈膜的办法、跳动的办法来给气进 进出出。整个就是腹部、上腹有一点跳动，别的部位都放松。如 果在有呼吸支持的运动过程中能持续保持口腔和喉头的状态，就 能完全符合正确的歌唱发声生理状态。“抽泣”讲的是一个练习 气息的方法。一吸一顿，快速地吸、呼，以吸为主，这个练习特 别能加强横膈膜的灵活性，气息灵活了，声音自然会有弹性，只 有让每个音都搭在气息上，声音才能够唱得圆润、连贯、自然。 （三）简单的形体表演动作的练习。 歌唱艺术首先当然是以歌声来表现感情的。但是如果有了感 人动听的声音形象，再辅以优美大方的形体动作，那演唱就会更 加完美，表现力大大加强。因此课后练习站立的姿势、简单的芭 蕾手位，是很有必要的。 二、声乐教师对学生的课后练习要布置合适的声乐 曲目，并且指导学生做好课前的准备工作 可以说，声乐曲目的选定是体现声乐教师教学水平的一个方 面。合适的声乐曲目，能够激发学生学习声乐的兴趣，充分挖掘 学生课后练习的潜能，促进学生声乐水平的提高。不合适的声乐 曲目则取得的效果正好相反。选择合适的声乐曲目，必须遵循两 条原则。 （一）要遵循因材施教的原则。主要是要根据学生的年龄特 点、嗓音条件、演唱风格、最佳演唱音区、最擅长唱的母音、声 部特点等来选择曲目。 （二）要遵循循序渐进的原则。歌曲有深浅、难易之分， 歌唱学习的成效几乎都体现在歌曲的演唱之中。发声技术练习 都是在一定的音域范围内活动，歌曲应与发声练习的音域发展相 适应，音域是歌曲程度的重要标志，教学中，应根据学生的学习 进程循序渐进地选择相应程度的歌曲。以男高音为例，在大一 时，可以选用《摇篮曲》、《我爱我的台湾岛》、《故乡的小 路》、《我亲爱的》、《月之故乡》等。大二时，可以选择《嘎 额丽泰》、《天涯望月》、《高高太子山》、《教我如何不想 他》、 《多么幸福能赞美你》等，大三时，可以选用《祖国慈祥 的母亲》、 《我的祖国妈妈》、 《长城永在我心上》、《大江东 去》、 《理想佳人》、《请别忘了我》、 《在银色的月光下》 等。大四时，可以选用《思乡曲》、 《这就是我的祖国》、 《小万方数据 艺术起于精微 赵立世 （河北省石家庄市评剧院一团０５００００） 在戏曲艺术发展琳琅满目的历史画卷里，有多少光辉的艺 术彤象，他们韵味浓郁、各放异彩的声腔使人心醉神驰，玩味不 尽，以致超越时宅，，“为流传：他们出神入化、性格万１二的精湛 表演被奉为经典圭臬而放射着久远的艺术魅力。历史实践表明， 在他们艺术生命的全部辉煌里都有着一条共同的创作精魂在闪 光，这就是“艺术起于精微”。 艺术创造永远是感性的、形象的，“传神者必以形”。而 “形”只有通过创作技巧实现从精神到物质的飞跃，才能诞生。 “对丁演员来说，技巧现体的Ｅ跃，既是物质的，义是精神的； 既是外在的，又是内在的；既是属丁．形式美的，又是属于精神美 的；不仅是体现艺术美的，也足体现生活美的：不仪足主观内蕴 的，也是客观外化的：ｉｆｉｉ且，这飞跃不仅是受内容支配的，义是 反作用于内容。” 有一段时闸，我虽然也刻符练功，认真表演，但总觉得难以 超出一般化的水甲，尽管有时也赢得了一些掌声，却没有真正打 动观众，使他们对我的表演爱之弥深，念念不忘。经过长期的舞 台实践和学习深造，更是在无数成功和失败的演出经验中，经过 认真反思和理论学习，我才逐渐体会到了“艺术起于精微”的道 理。这“精微”绝不是一个抽象的概念，它的威力正是一个演员 在自己的艺术形象和唱、念、做、打扮每１点上，由深刻的体验 而精心创造出来的“美的细节”，使整个表演迸发出强烈的艺术 魅力， 美的细节首先在演员的造型艺术上闪光。“美是一眼就使 人悦目、愉快、满足的东西”（康德语）。戏曲的“扮”直接塑 造形象，是表演的起点，不但是出场的第一眼，而且在整个演出 中都始终直观地影响着形象的气质和演员的表演，历来的戏曲表 演艺术家无不十分珍这个起点，终生不懈、精益求精地爱护着自 己美的艺术造型。戏曲造型的美在于它的化妆、造造金邮是写意 化的，无论生、旦、净、丑的化妆造型都是通过精美的图案、色 彩、放大、夸张、变形和美化来实现人物的精神本质。这种写意 美的精魄就在于精微。例如戏曲脸谱，是戏曲表演源于生活而把 人物性格鲜明外化的重要艺术语言。由于它有着严谨的格式规范 和绘画程式，净行演员人人会画。而它的艺术生命力，并不在于 传承中的“依样画葫芦”，而是萌发精微的细节创造。 美的细节同样在演员的声腔艺术创造中强烈闪耀着生命的 光辉。从戏曲化“吐字”的五音、四声、尖团、喷口、力度、反 切、快吐、慢吐、归韵、收声，到创造“韵味”的剧种旋律、行 当音色、音符群、语言滑动、立音、虚实喉阻音等，每个细节都 决定着演员声腔的艺术生命力。这些细节在技巧锻炼上是一切戏 曲演员必须刻苦磨练的基本功，而在创作实践里它们都可以因不 同演员不同的体验创造而大放异彩。“喉阻音”，就是基本生命 力最活跃的一个美的细节。 当前�9�9 个时间的结尾构成一个时间的开端时，节奏便产生 了。众所周知，人的每一种激情，每一种心境、每一种体验都有 自己的节奏。在我们牛存的每‘瞬间，都又…种相适应的节奏伴 随着。生活节奏是＋条贯穿整个人类的线索，人类生活在无所不 包而有千变万化的世界中，无论从宏观还是从微观的角度来看， 都是多层次而富有节奏的。节奏是艺术的机能一个生命的形式也 是‘种运动的形式，如果你在车轮的边缘上涂上一滴色彩，当车 轮飞速转动的时候，这时你看到的便不再足一滴色彩，而是一个 彩色的光环，这个光环形式就是一个纯粹的动态形式。生命的形 式也是如此。一节奏是生命的机能谈到节奏，游人会立刻想到速 度，以为速度的含义就是节奏的意义。其实不然，速度只是指快 慢的程度，而节奏不仪仪足以快慢而论，它还包括高低起伏、抑 扬顿挫、一张一驰的变化。但速度与节奏有着相当密切的关系， 速度里蕴藏着节奏，节奏也离不开速度，只是节奏必速度更加立 体化。节奏不同丁．速度，有时节奏松而速度快，节奏紧而速度 慢。但二者又具有不可分割的联系，有时相辅相成，有时则相反 相成。你可以从横向纵向，以及多种角度去理解节奏。因此，节 奏并不是单一的速度快慢的问题，也并非单独存在，或是单独的 手法，而其中的意义时非常厂。泛的，而Ｈ变化无常，甚至让你捉 摸不透。 我们民族的古典美学指出：“比极工而后能写意”。极工， 就是细节的精微。在当前形势下，戏曲演员必须有艺术观的高度 自觉，艺术创作才自．灵魂照亮，在各种纷繁复杂的艺术思潮的冲 击中，心明眼亮地献身丁．自己的艺术事业。使自己所塑造的艺术 形象因唱、念、做、打、扮全面迸发出精微细节的生命光辉而感 人至深、光彩夺目，久远地活在人们心里，永葆青春，使民族的 精神文化得到真正的发扬，使戏曲在多向性的现代审美中做出自 己独有的美的贡献。 这就是“艺术起于精微”这个美学原理给每个戏曲演员的深 刻启迪。 夜曲》、《故乡》、《日月之恋》等。这些曲目仅供参考具体还 要根据每个学生的情况而定。 总之，曲目的选择在音域上要留有余地，难易程度适当。太 简单能力得不到锻炼，太难则容易唱出毛病，甚至坏嗓。 曲目选定后，声乐教师要指导学生在课后做好课前的准备工 作。 （一）做好案头工作 首先，要对曲ｌ；；ｊ进行分析研究，熟悉曲谱和歌词，了解歌曲 的内容和音乐的风格特点及语言的韵味。如果是外国歌曲，必须 对歌曲所在国的人文、地理及作者的创作风格有一个概要的研究 和了解。要弄清原文词语的含义和语言重心，对爵像资料进行观摩 欣赏，反复琢磨，做到语言的准确和清晰。选曲时要了解它的创作 背景、剧情、风格特征，了解刷中角色的性格特征，找出全曲的 难点，确定换气ｕ，对歌曲进行艺术处理和演唱的整体设计。‘“ （■）选择最佳演唱效果的凋式进行视唱 在练唱较难的声乐作品时，可以先降低难度，选择自己最 轻松地调去视唱，等完全熟练以后，再在老师的指导下，用原调 演唱，这样可以解决较难的作品，而且不易养成毛病。练唱时要 注意感情充沛，情绪饱满。唱熟以后要找一些不同歌唱家演唱的 资料，精心研究，找出他们在处理上有些什么差别，学习借鉴他 们的演唱精华，融入自己对作品的理解，不断提高自己的演唱水 准。 （三）熟悉钢琴伴奏 钢琴伴奏是音乐作品中的重要组成部分。音乐经典作品中很 多艺术家的歌曲都是声乐旋律与钢琴伴奏浑然一体的，我们再现 这些作品时，都必须与钢琴伴奏进行合作，因为钢琴伴奏能够使 演唱者的演唱锦上添花，琴声伴着歌声如影相随，交相辉映这样 的配合是非常美妙的艺术创作。因此在音乐伴奏中，钢琴伴奏是 配合歌唱成功完成作品的关键，对于创造完美的艺术境界起到与 演唱者同样重要的作用。９ 综上所述，指导学生的课后练习是声乐教师教学内容的一 部分，对于保证教学质量，实现教学目标，培养高水平的声乐人 才具有重要的意义，希单引起各位同仁的重视，如有写得不妥之 处，请批评斧正。 参考文献 ①余开基．《高考声乐强化训练》．湖南文艺出版社 ②孙慧．《山东文学》．２０１）８年第８期 己口７万方数据
声乐作品赏析的方法
声乐作品赏析的方法
导语：声乐作品赏析是声乐艺术的重要组成部分,它与声乐作品创作、声乐作品表演共同构成整个声乐艺术的三大要素。下面我为您收集整理了声乐作品赏析的方法，希望对您有帮助！
声乐作品赏析的方法
方法一：通过直觉感知
声乐作品的赏析首先需要运用直觉的感知，这是初步的、恍惚的、直接的;在这个基础上再进行理智的赏识，这是通过对歌曲的歌名、创作背景、旋律、歌词等进行全面地了解和分析而进行的，从中，我们可以辨别歌曲的创作成功与否，也可以清楚地感慨感染到作品通过悦耳的旋律、柔美精练的歌词所表现出来的艺术魅力。当然，要完美地赏识一部音乐作品，还要有比较丰硕的糊口经验和一定的专业知识及想象力。这样，才能达到客观全面地评价声乐作品、准确体验声乐作品艺术魅力的目的。
方法二： 分析歌名
一般来说，声乐作品的标题题目是根据歌曲的主要表现内容来命名的，歌名是对歌曲内容的集中体现和精辟概括。因而，通过歌名，我们可以了解到作品的大体内容。当我们看到《我爱你，中国》《我的祖国》《歌唱祖国》等歌名时，便能很快地得知这些歌曲是歌唱祖国的，一看就令人振奋，并激发出对祖国的热爱之情;看到《赶牲畜》《推船号子》《打酸枣》等歌名，一幅幅生动的劳动场面便呈现在眼前;而《沂蒙山好风光》《无锡景》《人人都说山西好》，则会激起我们对大天然锦绣景观的想象。同样，也有一些一看便可知是初级趣味或反映不健康情趣的歌曲，对此我们一定要用高尚的审美观进行准确地引导，保持理智的鉴赏眼光，果断抵制不健康歌曲。
方法三：品味歌词
学习啦我认为歌词是表现歌曲思惟内涵的文字表现和文学体式，大多是语言精练、含义隽永、节奏光鲜、富有美感的诗词，它高度精练地概括了歌曲的表现内容。歌词能够大大加强我们对歌曲的理解力，有助于我们正确掌握歌曲的思惟内涵。如艺术歌曲《斑竹泪》：“山重重水茫茫，山高水又长;古舜帝去南方，巡狩赏风光……欢情薄，美梦破，苍穹星辰落，帝驾崩、二妃惊、苍梧散魂魄……”这些布满诗情画意的歌词，先把我们带入了一个如诗如画的意境，又向我们交代了一桩惊天动地的历史事件。从这里，我们可以了解到舜帝南巡，后驾崩于苍梧而与蛾皇、女英生离死别的悲壮爱情故事。歌词最后以“千年事，万人说，悲歌天地和”结束，将全曲的情绪升华到了极致。又如歌曲《祝酒歌》：“美酒飘香歌声飞，朋友请你干一杯，胜利的十月永难忘，杯中洒满幸福泪”，充分展现了破碎摧毁“四人帮”后，全国人民互相举杯祝贺、共庆胜利的喜庆场面。而歌词“明日上阵劲百倍，为了实现四个现代化，愿洒热血和汗水……待到理想化宏图，咱重摆美酒再相会”等，真实生动地表达了我国各族人民幸福、喜悦的心情，和对实现四个现代化的强烈愿望与决心信念。歌词集中、简练地体现了歌曲主题，形象详细光鲜。
方法四：分析旋律
旋律又称曲调，是若干乐音有组织地进行，是节奏、节拍、音高、力度等要素有机结合组成的音的线条。旋律是音乐表现的基础和灵魂，能表达某种特定的思惟、情绪。它也是塑造音乐形象的最主要手段，具有语言性和形象性。从声乐作品中旋律的走向、速度的变化、力度的对比中，我们还可以了解到作者的创作意图、歌曲的表现内容和所要塑造的音乐形象。如歌曲《小白菜》的旋律：5 3 3 2 | 5 5 3 3 2 1— |这种下行走向的旋律，宛如糊口中悲痛的哭泣和叹息，让人听后不禁为之打动甚至潸然泪下，“小白菜”这个出生贫寒、命运悲惨的小女孩的艺术形象，也让人油然而生垂怜、同情之心。又如《吐鲁番的葡萄熟了》，这是一首很有特色的抒怀歌曲，它的旋律大多是变化模进：5 6 5 4 5 3 3 |，这段音乐以级进为主，上下波浪式的节奏型，更表现出浓厚的新疆维吾尔族的民族风格和地方特色。而歌曲《孟姜女》千里送寒衣、哭倒长城八百里的动人场面，从中我们也清楚地看到了孟姜女这个生动感人的.艺术形象。
方法五：了解歌曲的创作背景
歌曲的创作背景主要指词曲作者的情绪情感、写作念头以及当时的时代背景等。深圳声乐培训认为一首歌曲，必然融进了词曲作者短则某一刻、某一时间，长则多年甚至一生情感的积蓄，歌曲必定在一定程度上体现他们的思惟感情和主观意愿。对此，我们可以通过了解词曲作者的生平尤其是写作期间的境况来掌握。舒伯特(1797—1828)是奥地利闻名的作曲家，他的一生都挣扎在贫困和疾病之中，因而在他的大量作品中都能感慨感染到他在梅特涅时期苦闷、压抑的心情及渴想自由的愿望，如声乐套曲《冬日旅行》、歌曲《魔王》等。另外，分析歌曲创作时期的历史背景和时代精神，对于鉴别歌曲的好坏，深刻地领会作品的思惟内容也有非常重要的作用。如歌曲《到敌人后方去》(赵启海词、冼星海曲)作于1938年，当时，正处于抗日战役初期，联系歌曲创作的时代背景，我们仿佛还看到了无数的革命青年，在民族危亡的紧要关头，为了国家，为了民族，为了人民，拿起武器，满怀爱国的热情和抗日必胜的信念，意气风发、精力充沛地“到敌人后方去”，为“把鬼子赶出境”和敌人进行着英勇顽强的斗争。
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歌曲艺术处理包括哪几个方面
歌唱是听觉艺术，它的艺术感染力最终要靠演唱来体现，歌唱者把音符和文字结合成声音的过程，是一个艺术再创造的过程，也就是我们常说的“二度创作”。一首好的歌曲的歌词和音符终归只是停留在纸上，必须通过歌唱者把它唱活才能使听众感受到它的艺术魅力。因此，作为一名歌唱者应该从各个方面来丰富自己，提高自己的文化艺术素质，脚踏实地地进行艰苦的艺术再创作活动。所以歌唱的艺术感染力，最终要靠“二度创作”来体现。在二度创作中应该注意哪些环节呢？
一、 作品内涵的理解
所谓内涵，主要是指作品的内在含义及思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。拿到一首歌曲，先不要急于唱谱，而应该将歌词反复朗诵几遍，以便从中了解主人公所处的时代背景、特定环境和思想感情，全面了解作品，歌曲或长或短，都凝聚这作曲家的强烈感情，作曲家的深情厚谊蕴藏在每个音符之中，歌唱者需要认真地发掘和领会。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。一个演员或歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学唱的人往往单纯从声乐技巧来来歌唱表现，因为平时的接触面比较窄，不看小说不看画，不读诗文不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不开阔，只是不丰富，这样的学唱是唱不出好的感情来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是不大一样的，因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情实意的表达。
二、 意境的想象
意境的想象，就是要尽量去启发音乐的想象力，演唱者应根据歌曲的内容和音乐形象，在自己的头脑中化为一幅幅活动画面，吧自己化为作家、诗人，也变成作品的主人公。换句话说，就是要像戏剧演员进入角色一样去身临其境。如果把一首歌曲的基本情绪和意境设想的很具体，那么在表达时就会真实和生动。是一幅画的话，就需要把它唱活，唱生动。而想象和意境就会很快帮助我们确立起正确的音乐形象或者说歌曲的主人公的形象来，作品就完整、统一了，歌曲的主题思想也就明确了，这样就会达到情真意切。当然歌唱者解释音乐的能力，不是一日之功，它是一种生活的积累，记忆的积累，情感的积累，各种知识的综合积累和运用，这种积累越多，越丰富，“灵感”也越活跃，越丰富。因此作为歌唱者，应随时用眼睛和耳朵去收集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力，从而更深刻地理解作品的全面内涵。
三、 声音的运用与选择
在演唱一首作品时，运用什么样的声音才符合作品的思想内容和情感，这是值得研究和设计的问题。作为歌唱者有了美妙正确的声音外，能驾驶各种声音和音色变化的能力尤为重要，比如面对一首进行曲时要选用雄壮的声音，面对一首圆舞曲时应是明亮、华丽、轻巧的声音，面对一首摇篮曲时则需要用柔和甜蜜的声音等等。这里对声音也要有一个想象的过程，如对一首抒情轻柔的曲子时，可以把声音设想为“轻柔的纱巾在微风中飘洒”“树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上，又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时，又可把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。总之，我们要擅长于调动人声的声音“库”中最恰当的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，贴切地表现作品。
四、 风格的掌握
作品的风格或者说音乐的风格掌握得好与坏，演唱的效果是不大一样的。我们常常听一些独唱音乐会的演出，有的人声音相当漂亮，发音技巧也很高超，但整台音乐会从中国民歌唱到欧洲的古典艺术歌曲，听起来声音上也好，力度上也好，韵味上也好，总是一个样，一个味，让人听了过耳即忘，缺少心灵的共鸣和艺术的回味，更有甚者缺少艺术修养和文化修养，把各种风格的歌曲混淆在一起，使之南腔北调，南辕北辙，与原作品差距甚远。造成这些现象的原因主要是歌唱者没有很好地在歌唱前对作品的时代风格、民族风格、地区风格、个人风格 等进行细致的分析和了解，没有能恰如其分的用自己的歌唱技巧来表达作品的风格。因此歌唱者要准确地表现作品的内涵还必须事先研究作品的风格（也就是演唱风格）。当然与其它姐妹艺术相比，音乐的风格具有更多的抽象性。音乐是无形的时间艺术，而绘画、雕刻、建筑等都是有形的空间艺术，因而他们的风格往往比音乐更一目了然。一个歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品的理解和风格的把握，因为风格的形成，主要是建立在最深刻的认识基础上的。成熟的歌唱家是能把作曲家的创作意图和作品风格的特点淋漓尽致地表现出来，能把音乐的全部含义，让听众“一目了然”的了解。
五、 韵味的体现
演唱的二度创作是一个复杂的劳动过程，它对 演唱者的要也是多方面的。好的演唱者不仅能准确地领会和传达歌曲的艺术意境，同时还能通过自己的再创作，挖掘歌曲里某些潜在的、甚至作曲家没有料到的东西。一首作品，作曲家无法提供韵味，它必须用演唱者自己去体会和创造。水平较高的歌唱者并不满足于曲谱中所记下的音而必定会在音外的腔上下功夫（腔也就是韵味），并用的恰到好处。在你唱熟了一首新歌后，根据语言的特点、感情的需要，就会自然而然地在音调的旋律音上增加一些其它的音，使之成为装饰音、颤音、滑音、倚音等，唱起来就会更加动人和自然，就更有味道和美感，这就是韵味给作品带来的新的生命力。
六、 作品的艺术处理
有了对歌曲的真情实感后，就应该对歌曲有一个全面的总体设想，这里包括整个歌曲的速度、力度、音量、音色、伴奏等等问题。当然这些设想不是盲目的或随心所欲的，歌曲的结构、曲体、调式旋律的起伏发展，直到节奏、和声等给演唱者以艺术表现的总启示，它们可以指引歌唱者内在情绪的走向，找到全区的高潮及歌曲的层次。在演唱中特别要把握好艺术的对比性，如一首歌的叙述性和歌唱性的区别，一首歌曲中强弱、轻重的变化，其中最关键的是要找到高点（高潮处）和低点。一般来说要突出高点，一定要把低点放低，一定要有铺垫的过程，否则一个劲儿强或一个劲儿的弱是达不到艺术效果的。处理歌曲时，画龙点睛的部分往往是一些重点字、句。重点的词句要在咬字吐字上、感情上予以强调，要一字一句地，甚至在一个经过音上深下功夫，反复练唱，认真寻味，找到最适宜的表现手法。也就是说演唱者必须按照自己的总体设计反复演唱，攻克难关，直到自己的处理化为真情的体现。
七、 感情的把握
要感动听众，首先要使自己处于歌唱状态。“真作假时真亦假，假作真时真亦假”“真真假假”是艺术表现的特定手法。“假”是为了表现“艺术的真”，是表现“真”的艺术技巧。真入假出而不失为真，才能发挥艺术的真实性和表现的真实性的统一，才能发挥艺术感染的强大作用。因此我们在演唱时一定要把握好这两者的关系，恰到好处地表现艺术。在平常中，有一些人在演唱时精神高度紧张，前怕狼后怕虎，这样的歌唱状态是绝对唱不好的，更不用说感动观众了。因此我们讲的感情的把握即“忘我的演唱”就是要演唱者丢掉一切来自思想上的或者声音上的包袱，消除一切紧张因素，以既充满激情而又放松自如的状态进入演唱，要知道，只有情感得到了解放，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更完美的感情表达。歌唱艺术才能“有声又有乐”。
八、 技术与艺术的结合
技与艺，即声于情，一向是歌唱中血肉相连的两个部分。发声、咬字、吐字和情感的表达构成歌唱的整体，二者不可分割。歌唱的人声是以人身的整体作为乐器从事歌唱的，绝非只靠嗓子、气息或共鸣就能单独完成的，歌唱是全身心都参与的一种表演艺术，不仅全部身体都要参加，而且包括你的灵魂。歌唱应成为诸因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术，就是说，只有声情并茂，字正腔圆，技艺结合，才能使歌唱达到感人的境界，产生沁人肺腑的艺术效果。声于情是辩证的统一，相辅相成。不论是专业歌唱者还是业余爱好者，在平时的训练中，要加强整体歌唱的意识，使歌唱发声与情感表达同时进行，使声、字、情成为一体，养成用用心灵歌唱的习惯。
声乐演唱情感处理的技巧和重要性
声乐演唱情感处理的技巧和重要性
声乐是歌唱者将歌曲作品呈现听众感受的艺术，歌者的歌声将抽象的音乐转化为听得到、看得见的艺术形式，并影响和感染听众，在这一过程中情感起着重要的纽带作用。下面是我分享的声乐演唱情感处理的技巧和重要性，一起来看一下吧。
一、演唱的艺术处理
歌唱艺术的宗旨是反映生活、反映思想, 美化生活和美化思想的。因此, 需要对作品进行深人的艺术处理。演唱者要展示歌曲的主题思想和音乐形象, 就要更生动地去抒发歌曲的情感、塑造人物的形象、渲染特定的意境和作品风格的特色。因此, 要进行艺术夸张处理, 必须注意两点: 一是不能失去作品的真实感, 一定要以作品所反映的现实生活、思想感情为依据, 不能脱离作品故弄玄虚, 失去作品的真实性。二是要把握好作品的度 , 要恰到好处。要对歌曲作品进行艺术表现与再创造, 就要有一个整体的构思与布局。对比的艺术处理应从作品的多方面进行, 比如作品内容情感的对比、作品形式结构的对比等。歌唱艺术最本质的特征是唱出歌曲作品的思想感情, 为展现作品最强烈的感情顶峰。就需要突出高潮的艺术处理。
二、心灵的投入
字正腔圆、声情并茂 的歌唱表演, 是以人声将音乐、语言、情感完美结合的声乐艺术。
( 一) 唱词的情景深入
在声乐艺术演唱中, 有的演唱者虽然能将歌词背熟, 但却不能深人其中。这样既不能生动地演绎歌曲的意境, 又不能深刻地表达自己的情感, 因此, 演唱出来的歌曲必然苍白无力。这种情况主要是由于演唱者在演唱一首新歌之前, 对歌词未做深人、细致地分析和研究而造成的。这种死背书式的演唱形式无法表现触景生情、情景交融的意境。《婚誓》是电影《芦笙恋歌》的'插曲。这是一首男女对唱的歌曲, 以分节歌的形式分为五段, 以少数民族特有的表达方式讲述着淳朴动人的爱情故事。对唱、齐唱交替进行,人物个性颇为鲜明。第一段由女声演唱, 流动性的旋律带领人们步人阿妹清新的心灵世界。第二段则由男声唱出。然后再男女齐声合唱、错开至齐声, 错落有数, 类似山歌。流畅质朴的民族曲调再现了一对倾心相恋的男女青年的内心,受到很多人的喜爱, 广泛传唱至今, 成为经久不衰的一首对唱情歌。演唱此曲需要注意的是, 快速三拍子中的音乐流畅性; 表现少数民族的音乐风格; 唱好直线上行到高音的几个地方。
( 二) 感动自己, 才能感动别人
在声乐演唱中, 演唱者如果对事态、情感无动于衷, 那么必然缺乏创作的激情。也就是说, 没有心灵的投人, 就不可能有真情的流露, 一切表演都是失败的。咏叹调《晴朗的一天》是歌剧《蝴蝶夫人》流传最为广泛的曲目。它集中体现概括了主人公巧巧桑的整体形象, 生动地描绘了一个对爱情忠贞不渝、纯洁美丽的东方女性, 同时也表现出作曲家的独特创作技巧。演唱这首咏叹调要有扎实的声乐技巧, 对音量、音色的变化控制要能随心应手, 要能表现出生动的语言特点, 发音要准确, 语感要自然, 高潮处的声音和情感都要有强烈的感染力, 在抒情之中融进戏剧性色彩。
三、真情的流露
在声乐表演中, 情感表现的尺度只有恰到好处, 歌曲的整体形象才能鲜明生动。《祖国之恋》是一首单二部曲式。其歌词明快质朴, 旋律流畅而舒展, A 段细腻、柔婉娓娓道来,B 段音区较高, 在A 段结尾音上以八度跳进的方式更真切地抒发了对祖国炽热的情感。尤其在结尾时需要由弱渐强地控制声音。在演唱时要始终保持声音的高位置和明亮色彩, 同时加强气息的支持, 感觉歌曲的旋律、咬字、吐字和情感。只有让演唱者充分理解所要演唱的声乐作品的内涵, 才能合理地运用发声技巧, 体现声乐作品的二度创作。
同时注意音乐的连贯性, 包括情感的连贯、声音的连贯, 以及咬字吐字的连贯, 研究渐强渐弱的处理和控制, 把握作品的思想感情和艺术品位。要求演唱者对气息和声音有很好的控制能力,吐字要规范。汉字讲究发音的过程, 注意字头的分量和行腔的圆润, 以及收韵的美感, 做到声情并茂的演唱。经常深人生活, 加强文化、艺术修养, 积累感情素材,当需要的时候, 就会成为取之不尽、用之不竭的源泉。
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